文/青鸟 

       Kula Shaker也没有例外的进行了重组，这倒是挺迎合时代潮流。当年，这支充满实验和迷幻色彩有点金属遗风的乐队正火爆的时候，我还是个为高考在埋头苦读的高中生，而今，他们再次复出，我已经在工作岗位了循规蹈矩了三年，年岁真的久远。

       然而当初的Kula Shaker也曾在英伦三岛大发异彩，排行榜常客，专辑的销量也大的可以，甚至消失8年后的现在，他们在中国仍有许多的拥护者，“如果让我在Blur 和Kula Shaker之间作出唯一选择的话，那我会毫不犹豫地选择后者。”这是网络上流传的原话。可见Kula Shaker的魅力。

       07年专辑《Strangefolk》是继《SummerSun》、《Peasants，Pigs And Astronauts》乐队发兴的第三张唱片（？），封面的设计的像一副油画，白色的墙壁，红色的地板，给我们营造了一种空间感，一只猫，一个英国女人坐在那仿佛思考人生，烟锅的缕缕青烟变成了一副让人匪夷所思的画。除了骷髅头，其他的似乎让人难以揣测，给人的提示感并不明朗，而里面的歌曲则多彩纷呈，主要是风格的差异，或者人声上的突兀多变，乐器的试用上依然充满实验色彩，整张专辑的基调并不明朗，几乎可以感伤来形容。

       头首曲目《Out On The Highway》铿锵嘹亮的并且充满迷幻色彩的键盘音色令人过耳不忘，歌曲给人的感觉很沉重，当然我是指人声的处理方式上，而贝斯奏出的悲伤音色也给了歌曲最好的注解。接着的《Second Sight》前半段的表现力主要是在打击乐器上，吉他鼓捣出的声音，好像给二胡充电了一般，带着明显的东方色彩。硬摇滚色彩桥段，将我们带入到了实验色彩极强的吉他和鼓的噪音中。不可否认的是《Die For Love》是首悲伤的歌，甚至键盘的音色中都流露着凄楚色彩，主唱的声音仿佛被泡在悲伤的泉水了，随着稀释浓度的增高，越来的越黯淡悲伤，甚至让人觉得痛彻心扉，似哭似泣的吉他Riff，加上一如既往的悲伤键盘音色，在肆无忌惮的感染情绪了。

       在《Great Dictator (Of The Free World)》中，吉他谈的旋律就象哼出的乡间快乐小调，后面你甚至能听到崔健《象一把刀子》一样的色彩气息，而歌唱就像颂词，除了漂亮了贝斯音点缀，歌曲异常的情绪化，在癫狂的嘶后过后，超有力的的吉他键盘和吉他音色立刻笼罩了我们。让人奇怪的是专辑同名歌曲《Strangefolk》短的要命（我甚至怀疑是网站上传的Bug），只有一把吉他，和一个女声让人觉得伤感孤单的念白，这实在让人觉得不可思议。带着迷惑，听《Song Of Love/narayana》，犹如听班淂润淂《神秘园》，歌曲开头的音乐感觉，充满大自然潮气迷糊的森林色彩，打击乐器，单一的键盘、贝斯给作品插上了迷幻的翅膀，歌曲用了一些带有异常车库风格的摇滚音色，还低沉的贝斯音铺垫，好像一部充满感情色彩的歌曲配乐，浑浊的硬朗。而《Shadowlands》则和以上的歌曲不同，只有键盘轻描淡写的流淌，在弹性有伸展力的贝斯音时而的骚扰下，歌者的声音回归到了正常，深情款款。

       接着的《Fool That I Am》有独立音乐的干净纯粹，除了好听的贝斯音，歌也唱的相当好听，键盘的声音犹如水滴清脆透彻，清新嘹亮的的吉他带出的是最好听副歌的歌了。而《Hurricane Season》则用乐器表现了展现了一种季节的的特征，大海波涛，鸟叫的采样，简单的木吉他箱琴音色，给我们了一种平静之感。而凌乱的季节色彩，则是歌曲的突然神经质。歌曲用凌乱的吉他Riff和打击乐器的速度，制造了一种拍打毁灭的景象。然后歌曲又趋于平静，好似一个人面对灾难过后的平静的思索，人声的音色挺美的。《Ol' Jack Tar》贝斯始终是一种懒洋洋前进的浑厚犹如爵士乐的音色，吉他单一的节奏把歌曲就象婉转流淌的诉说。这是一首整体给人的的异常悲伤苍凉的歌。

       听完专辑中的歌曲，就犹如经历了一场情感的洗涤，或者说是经历了一支乐队妙不可言的想象力旅行，他们多样的风格，和乐器表现出的实验色彩让人称道，但听后似乎总觉得少了什么，或许是因为是没有惊世骇俗让人觉得超级经典的歌吧，如果是一种能量源，我想只是散发的能量大小而已，并没有好坏之分。

文/青鸟

      美国佬搞什么都领先于世界其他人民前列，除了生孩子，这个你不服还真不行，就说音乐吧，自己家一亩三分地折腾出的葛莱美最后硬梆梆让全世界人们都跟着瞎起哄，俨然成了风向标，那些巨星更是数不胜数，就一死去的科特的影响力就够让全世界各地的摇滚艺术家们羞愧和顶礼膜拜的，还有那个流行之王另亿万听众为之疯狂的Michael Jackson等等，并且老牌乐队火力不减，新乐队层出不穷，独立厂牌如雨后春笋，着实令人羡慕。

      来自华盛顿的独立乐队Ruth就是星条旗下的摇滚新生代，当然现在他们还不是什么鼎鼎大名的牛逼人物，绝对没有那些东西海岸的帮派饶舌歌手有名，他们玩独立，用传统的三大件重新架构音乐，在随意的杂耍中让人觉得赏心悦目，他们注重旋律和悦耳的音调，倾向于吉他摇滚，但并不迷恋噪音声墙。

      年轻的Ruth乐队去年签约于美国著名的独立唱牌Tooth and Nai，乐队的名字出自他们的主唱、吉他兼词曲作者Dustin Matthew Ruth的名字，其它的乐队成员还包括吉他手Nicholas Ace Wiinikka，贝斯手Brett Van Liew ，还有鼓手Ryan Wesley Peterson，这支华盛顿的独立摇滚乐队，在西雅图著名制作人Aaron Sprinkle，还有著名EMO乐队Anberlin，另类福音音乐新秀Jemery Camp，朋克乐团MXPX共同帮助和提携下，与今年6月28号发行了他们在Tooth and Nai的首张唱片，也就是他们的处子专辑《SecondHand Dreaming》。

      而今这个时代，想唱就唱，就看谁唱的响亮了，然而除了按部就班的聆听，我们还可以用大脑进行选择，选择Ruth，选择《SecondHand Dreaming》，7月炎热的夏季不用再在铁风筝《这个夏天》压抑的歌声中享受自虐，可以怀着自由放松的心情没心没肺的让自己蹦跳了。《SecondHand Dreaming》就是这样的一张专辑，让你觉得新鲜，没有丝毫的沉重感，丰富多变的音符足以让你抛去所有以往对“重复”这个词的厌倦了。

      专辑的头首曲目《one foot in one foot out》先声夺人，让人分明觉得这是一支强调旋律速度的乐队，独立的气息伴随着弹奏的犹如钢琴声浪的吉他扑面而来，精准且强有力的鼓点，在吉他的失真低音中层层递进，尾段的吉他solo让人觉得异常过瘾。而《cross the line》则展示了他们对乐器的驾驭能力，这个长相酷似科特的主唱，在MV的画面中展示了他略带旷野的一面，但如果只听歌，我们从他略带羞涩或者单薄的声音中多感觉到的是MV画面中犹如层层海浪式的情感浮现。专辑的同名曲目《secondhand dreaming》给我的印象异常的深刻，那吉他的和弦异常简单利索的旋律和鼓打造的机械节奏让人觉得释然舒畅，歌曲一直重复这种简单廉价但却异常让人觉得耳目一新的旋律，单一的鼓机，在这里并非是噪音乐器，而是左右歌者情绪的躁动和变化。

       他们讲究从一种单一的乐器中调制不可能的可能，崇尚简单实用的旋律，接着的《here to new york》的吉他弹奏就象是在冒水泡，什么朋克的三和弦，在Ruth这里都是扯淡，他们就玩单一的一个和弦，但总能玩出新花样来。而《mr. turner》则显的单纯清澈，吉他有如一汪清水，略带嘶哑的歌声撩拨着我们的神经，后段转瞬而来的吉他Riff伴随着打击乐器，给我们玩了一把激流金属式的精神爆发。《work it out》则表达了一种情感上的诉求，前半段的吉他不紧不慢和慵懒的人声异常的合拍，用了一番激流金属的路子，后面则完全展现了一番Ruth的狂躁，歌曲主要大玩副歌部分，当然专辑中的副歌都有的一听，和《mr. turner》一样，结尾他们选择了爆发。在专辑每首歌中，基本都流露着他们出色的吉他动机，在《standing still》中，好听的吉他和弦惯性十足，回授的感觉让人觉得心痒痒，而在歌声慵懒的《figure you out》中，口琴声伴随着好听的副歌，让我们彻底的放弃了在前面慢拍感受的慵懒和随意。接着的《you are》则带有金属的质感，当然只是吉他音色趋于短暂的轰鸣，整首歌让人听歌的视野异常的开阔。接着的《love me like you do》则没有丝毫的拖泥带水，直入主题，整齐划一的鼓声，沉闷就象一种鞭笞，乐器就好像会说话的人，整合出的旋律让人思绪万千。《always yours》则是标准的独立音乐，最后的《well with soul》则体现在声音的起承转合上，歌曲的前半部分异常的平静，后半段的歌声，则充满惋惜和遗憾，略带哭泣的嗓音，让人觉得绝望。

       专辑《SecondHand Dreaming》出彩的应该是乐器的搭配鼓捣出的精彩旋律，他们用简单的乐器重新的定义了人们对音乐的想象力，让人觉得新鲜，入耳。这是一张来自美国文艺青年反映了美国青年人真实生活的异常有层次旋律感的唱片，更多的是体现在他们对乐器的驾驭和理解，他们用音乐制造情绪，带动情绪，让情绪贴着音乐有了更好的释放。 

文/青鸟

         在中国，几乎没有人知道Martie Peters这个英国壮年流氓,因为他组建的Push乐队在中国着实有点明不传经传的味道,然而曾发行过多张金属专辑的Push在欧洲大陆可谓是小有名气,他们曾和英国著名重金属乐队RONNIE JAMES DIO 、丹麦前卫金属乐队ROYAL HUNT等一起巡演欧洲,并引起巨大的轰动.Push粗砺毫无修饰的吉他以及多重的声音特质,成了他们被听众认可的最重要标志.

         如果上述的还不能引起人们对Martie Peters提起那么一点精神的话,那么提到以外形和华丽的音乐著称的著名重金属乐队WHITE  LION 的主唱 MIKE  TRAMP 的话，大家肯定不会觉得陌生。机缘巧合，也或许是惺惺相惜， Martie Peters 和MIKE  TRAMP两人建立了深厚的友谊,也就在那个时期，Martie Peters参与了MIKE  TRAMP专辑《Remembering  White  Lion》等的制作,并在专辑里进行献声。

         或许是因为这个缘故，Martie Peters似乎不想在作为一个单纯的乐队伴奏者出现在舞台上，想要开口大声歌唱了。2002年, Push乐队出现内讧，宣告解散, Martie Peters没有了任何的束缚，将精力完全的投入到演唱和创作中来，随着时机的成熟，Martie Peters组建了以他自己的名字命名的乐队Martie Peters Group，乐队成员包括主音吉他MARTIN SLOTT,节奏吉他THOMAS SLOTT,还有贝斯手B J,以及鼓手JAKOB SCHLEIN, Martie Peters自任主唱.05年乐队发行了同名专辑《Martie Peters Group》，积攒了大量人气，然而另他们声名鹊起的是，2006年他们为丹麦老牌足球俱乐部Lyngby  Boldklub献声，引起大范围的轰动。接着，收录在Martie Peters Group 2007年最新专辑《Road To Salvation》中的《Shallow》为Martie Peters Group赢取了更高的评价：硬摇滚有了一个更现代的表现手法！

         如果你登陆到Martie Peters Group的个人网站，会视听到他们最新专辑的若干首歌曲，并且还有新专辑主打歌曲《Shallow》的MV，以往金属乐队给人的印象是长发，战靴，纹身，而Martie Peters Group则有点另类，从MV的画面上看，他们的团队里没有一个长发披肩的家伙，让人印象深刻是，主唱Martie Peters几乎要遮盖住半张脸的帽子和墨镜，还有想要吞掉整个话筒的嘴巴。MV选择在一个工地拍摄，画面在摄像机多机位的晃动拍摄下，营造出了一种金属震颤的感觉。而《Shallow》凌厉的吉他riff，还有倒行逆施的张力，强调速度的快感令人印象深刻。

         而我要说的是，《Road To Salvation》是一张唯美的金属专辑，其中不免柔和了许多前辈金属乐队的优点，但显的个性十足，那就是美，Riff的美，旋律的美，力量适中，没有过分失真的假相，始终蓬勃着一种积极向上的动力，当然还有Martie Peters那种过分表露的歌唱欲望，在专辑的《For  What  It's  Worth 》这首歌中，半路出家的Martie Peters则完全抛弃了背景音乐的束缚，无耻狂妄的清唱起来，却也是有板有眼，配合清澈如水的吉他，优美的和声（这也是Martie Peters Group的招牌），整首歌显的静谧、淡然，这也是整张专辑机为另类的一首作品。专辑的开场曲目《Chosen  One》则完全和《For  What  It's  Worth》不同，完全是金属乐章的大开大阖，没有丝毫伪善流行乐的忸怩作态，完全是梁山好汉式的一坛酒一饮而尽的豪放，交响金属式的开场，整首乐曲充满朝气，除了好听的和声，撩人的吉他Riff就象氢气球一样膨胀，带人进入云里雾里。

         接着的《The  Clown》则完全展示了Martie Peters Group过人的起承转合能力，欲望随着音乐膨胀，吉他和鼓构成的声墙挤压出Martie Peters的声音，尾段的Riff弹奏的华丽而富有激情，一种Thrash metal式的结构乐章就好像我们青春的血液一样不安于平静。然而让人兴奋的要是《Wish》里如旋风一样的吉他了，近似于失真的假声和真嗓的人声交替攻击，吉他的走向趋于一种地毯式的轰炸，乐曲连冠的可谓弥补透风，这得意于这帮人对速度的迷恋，经典的要算吉他riff和鼓solo的疯狂对飙，撒开花儿一般玩的效果足以让我们High到极点。《Swimming  In  Your  Blue  Eyes》则完全体现了一种音乐场面上的开阔感，吉他的精彩回授绝对会让人耳朵一亮，而后的《Silence  Sits  At  My  Throne》可谓疾风暴雨，依然有乐器的精彩对飙，凶猛粗砺的吉他Riff，一定会让你感受得金属的魅力。 在《Kill  The  Pain》中， 一直失真的吉他音效构成了噪音式的背景乐,乐曲狂躁的有点神经质.吉他Riff完全则是敞开式的.就象一只巨大无形的铁手，撕裂我们脆弱的灵魂.炸开束缚自由的牢笼。

         以双吉他交相辉映的开始的《Waitin'  In  Line》，并不刺耳的riff和鼓带出了高潮，吉他和鼓构成的音乐浪潮，带走一切怀旧色彩的东西,转向一种纷乱的爆发力.此时此刻，吉他Riff成了抒情的利器。而在《All  I  Have》中，我们明白感觉到了车库摇滚的生猛，吉他、鼓动出一种空旷的音色.音域显的异常的宽广。硬摇滚调子的《Road  To  Salvation》完全是对我们耳朵听觉的轧轧.过门的riff犹如旋风一般，时而抒情，时而躁动，这是一种锤打人心脏的声音，是一种让人听了或许有些伤感但彭湃的音乐段子。

        Martie Peters Group应在在中国没有任何的拥护者，依然独立的在英国挣扎着，并没有大红大紫，但他们的音乐着实令人耳朵一亮，用“于无声处听惊雷”来形容最为恰当，他们不脏，也不黑，崇尚动人的旋律，营造的音乐背景宽广深邃，音乐流露着一种被感情浸透的色彩，力度适中，估计天生对噪音有一种仇视，他们的喧哗或者躁动始终透着一种画面感，也既美也！

文/青鸟

         对于喜欢英式摇滚的铁托而言，Travis教科书般的音乐无疑是让人难以抗拒的听觉体验，这支来自苏格兰的摇滚乐队，和Oasis、Blur、 Coldplay一样，作为英国乐坛最有影响力的摇滚乐队之一，似乎从来没有停止过前进的步伐。更让津津乐道的是，他们和另一支任何人都耳熟能详的伟大摇滚乐队U2一样，也热衷参与世界范围的公益活动,如解除贫困、对抗灾难等,从而赢得了世人更多的尊重。

         关于Travis的历史不必多说，相信谁都能说出几大箩筐来，就音乐方面而言，单是那甜美动人的旋律和清爽带劲的吉他段子，还有主唱好听悦耳的声音,已经让人欲罢不能了，何况还有艺术为人民的伟大爱心。过去的辉煌终究是过去，国外乐队和本土乐队的区别就在于，他们始终有用不完的灵感和创造力，我相信，他们鄙视所有靠一首单曲或者一张专辑就早早结束自己音乐生涯并无耻的进行吃老本的生活，他们在求新，在改变，好像没有新鲜的刺激，就浑身的不自在。他们始终走在巡演、创作的路上，进行着自我的音乐革命。

         没错，就在他们以前的一系列著名专辑的余波依然辐射的2007,Travis的最新专辑《The Boy With No Name》发行了,这正是他们革命后的产物,也是我想要用文字表达的东西，很难想象除了歌词以外，音乐是和文字这样联系在一起的，而对一个乐迷而言，没有比这样更直接的方式来表达对一支乐队热爱了。其实当你听他们的歌的时候，你只想陶醉，而不会去想任何的东西，就算你的灵魂出窍,有点三心二意，很快，音乐会把它重新打入到你的躯体，头首歌《3Times  And  You  Lose》我听了好多遍，典型的英式摇滚，和Coldplay的《what if》犹如姊妹，淡淡的吉他伴随犹如梦呓的歌唱，是那么的谨小慎微，或者飘忽不定，旋律干净透彻，歌者略带磁性的嗓音始终平和如一，却隐约一种情感外放的冲动。他们是如此的热爱歌唱，所以歌声和音乐完全的融解在一起。显的密不透风。

         这是一支典型的英式吉他乐队（当然只要不是土鳖都知道），即便在真鼓的宣泄鼓噪中，你都能听出他们对于吉他音乐的热爱。在《Selfish  Jean》中，他们的吼叫用真嗓的形式喊出，虽然缺少一种鬼哭狼嚎的摇滚式夸张，却踏踏实实的表现出了一种对自私着（应该是爱人）无奈的愤怒和不解。Selfish  Jean，是爱人，是一切情绪的源头，是他们让鼓点疯狂，让声音嘶哑的的源动力，歌曲前半段营造了一种怀旧的色彩，后半段则上演了一幕男人式的情绪爆发。歌声愤怒的真诚，音符和人声中流露着不解，惋惜和幽怨。

         我很少会掉进外文歌曲所营造的情绪陷阱里，因为我觉得歌词营造的的陷进远远大于纯音乐的煽动力,而在《Closer》这首歌中，在他们毫不托泥带水的吉他段子里，我被彻底的折服了。他们的歌一如既往的让人觉得舒服，让人莫名的忘我。木吉他过门后，音乐在平静中跟着鼓点的步伐透着一种情感的涌动,歌声温柔刚强，抑扬顿挫的异常的好听,我喜欢这样的感觉，即便是表达一种柔弱的情感，在没有任何人声虚假的嘶吼，或者乐器的噪音中，却能分明让人感受到有力的坚强,甚至是内心中的一股对生命、爱情的企盼。在接着的《Big  Chair》中，贝斯鼓动出的过门音色异常的好听，在电子味道的音效交织中，一款男声朦胧的深情款款，犹如优美的电子音乐，又似乎多了些独立音乐与浮华世界的格格不入。旋律虽然简单，却不会让人觉得有丝毫的单薄感。

         或许如何把音乐做的好听悦耳，或者唱念更多的爱情颂歌，或者如何把声音去掉任何的残渣，更加的抑扬入耳，就是这帮哥们所要做的。《Battleships》，在一段Indie式的过门后，在异常干脆的鼓点的映衬下，在反复，随意都改变着的音色中间，我们受到蛊惑或者勾引，心随他们的音乐一切跳动，就好像那些音乐已也融入我们的生命。《Eyes  Wide  Open》则与前几首有些与众不同，多了些试验主义，完全是硬摇滚和英式的融合，鼓和吉他的配合，鼓捣一张一驰让人禁不住心跳的节奏，简短有力的说唱，漫不经心挑逗的吉他Riff，在有力的鼓点催化剂下显的朝气蓬勃。强劲的节奏，加上吉他美妙的音色，与其是让我们把眼睛睁大，不如说是让我们的心跳更加的迅速。

         主题并不突出的《My  Eyes》游历于深情之间，即便没有带劲的副歌，《One  Night》里人声略带的哭泣低语，富于电子味道的吉他和弦，也能抓住听众的耳朵，后面的《Out  In  Space》木吉他的清爽过门异常入耳，和弦始终淡淡的没有丝毫的涟漪。在轻声曼语之间，吐露着一种平淡的超然。让人听觉异常开阔的《Colder》，得益于间奏乐器同奏编制出的声效画面，浑厚的吉他箱琴弹奏音色，是这首歌的亮点， 专辑最后在让人觉得伤感和温暖的《Under  the  Moonlight》中收尾，让人觉得意犹未尽。

         我不喜欢漂亮的歌声，因为漂亮的歌声主题并不突出，但我喜欢Travis！简单、干净、透彻的Travis！他们的才华缘自他们对音乐和世界人民的热爱，而对我对他们的热爱，并不是他们的才华，而是他们远离于尘世喧哗的心态和温暖中流露出的倔强和坚强,是他们无时无刻都能让爱摇人们主题更加突出的音乐。

文/青鸟

          我不是成长于星条旗下的美利坚自由人民，所以英国乐队Arctic  Monkeys在我跟前很能吃得开，打从我听到他们的第一个音符起。这或许是我从小看多了充满暴力和脏话的电视剧《西游记》，并对猴子产生了偏爱的缘故，而对Arctic  Monkeys，来自北极的猴子，更是充满了好奇。

          这支06年凭借处子专辑《Whatever  People  Say  I  Am,  That's  What  I  Am  Not》血洗英伦三岛的摇滚乐队，踩着Oasis的肩膀，带着一股朋克的无赖劲儿，不用脱裤子便有了Robbie Williams在英伦一样的人气，成了媒体的宠儿，并和著名的摇滚乐队Franz  Ferdinand有了同门师兄弟的血缘关系。

          这样好的运气多少会让人嫉妒，但记住天上不会掉馅饼，并且没有免费的午餐，Arctic Monkeys可绝对不是凭借脸蛋，或者是为某位巨星暖场得到提携而走红起来的后辈，他们的凭借的是实力，也就是他们的歌声，代言了一代英伦青年的歌声。而从音乐的角度去解读，在整体节奏型的框架下追求音乐多变的活跃思维，成就了这支乐队。并且他们的框架一点都不粗糙，他们在美的基础上点缀美，猴子是聪明的灵掌类动物，而来自北极的猴子，除了与众不同外，更加的聪明。

          2007年，Arctic Monkeys再度出击，《Favourite Worst Nightmare》便是他们交出的答卷，听完这张专辑，我要说的是，他们不光高产，而且还高质，专辑中的12首歌曲充满多样性，听着让人觉得异常过瘾。

          专辑的的开场曲目《Brainstorm》，让我们看到了Arctic Monkeys对噪音声墙的迷恋，鼓，贝斯，吉他组成的声墙密不透风，巧妙的是，他们运用了两个重复的节奏段，力量和速度整体的加重，乐曲好像被稀释一样，整体给人的的感觉顿然明朗，唱法上有点Ian Curtis式的快速、冰冷的人声与喧哗吵杂的世界仿佛隔离，喧嚣的Riff则始终再终强调一种速度的快感，而花样繁多的吉他小动机，锦上添花的妙用，让作品更加的饱满。鼓solo带出吉他和鼓强劲如一的节奏，好听，充满柔韧性。这一节奏型也在《Teddy Picker》中撑起整首歌曲的主要骨架，而后，喧宾夺主持续走高的过瘾段子，并没有成为断线的风筝，而是牢牢的和“骨架”粘合在一起，有点rap味道的合唱，是乐曲或者歌者情绪转变的铺垫，歌曲的后半段则异常的即兴，不光是乐曲，还有情绪，最精彩的则是尾部让人听了都不会忘记的Riff。

          而《D  Is  For  Dangerous》则倾向于一种属于男人或者摇滚乐的狂野，除了人声外，贝斯浑厚的背景铺垫，挟持出的音乐投影则是金属式的。给人一种向外的推力。仿佛Arctic  Monkeys的成员谁都想喊上那么一嗓子，然后才觉得过瘾。吉他和人声的肆意的挑逗，在《Balaclava》中，他们让乐器的噪音连贯而出，让你感受一种人声无法体现的音乐高潮，有点电子味道，节奏敢极强的的吉他，首先是是力量的加重，接着是速度上的推进。然后是人声的彻底爆发，让内心的嘶吼更加的真切，而尾部打击跃起的点缀，很有中国的味道。在《Fluorescent  Adolescent》这首歌中， 过门部分吉他和鼓编制的美妙音符会立刻让人觉得入耳，人声显的深情款款，整段乐曲属于让人特想翩翩起舞的那种，和声也异常的好听。整首乐曲是吉他的陶醉，歌声的陶醉，鼓声的陶醉，以及听着的陶醉，流畅顺耳，犹如足球场上一连串的精彩过人，凌空抽射。让人觉得异常欢畅，跟着偏偏起舞。接着的《Only  Ones  Who  Know 》的吉他和弦，就好像一粒小石子，坠入平静的湖面，然后湖中散开涟漪，给人一种一帘幽蒙的感觉，歌声充满雌性且深情，给人的感觉宁静安谧，犹如遥远深山飘来的暮鼓晨钟。

          非洲鼓的节奏在《 Do  Me  A  Favour》中流淌，他们的吉他总是很挠人心的那种，音乐简单却富于多变，这首歌整体上很情绪化，尾部人声和音乐全面的炸开，并且持续，疯狂的鼓点，疯狂杂乱的吉他以及疯狂的人声，疯狂的猴子，重击猛拍。而《 This  House  Is  A  Circus》则是对耳朵的一种锤打，或者鞭笞。抑或是种强奸，是一种撒开花儿的忘情激情投入。在一连串的鼓中让我们会High到极点。而在《If  You  Were  There,  Beware》中 则又是吉他和鼓构成的声墙，对耳朵的挑衅。尤其是吉他显的最为刺耳。一直膨胀，就好像一个人被压抑许久，胸腔附带诡异或者幽远的炸开，我们感受的完全是吉他噪音的嚣张跋扈。接着的《The  Bad  Thing 》机械的表达了一种糟糕的情绪。依然是一种情绪的宣泄。到了《Old  Yellow  Bricks  》则又是吉他和鼓声构成最原始粗糙的节奏，而一张一驰的吉他则好像让歌曲转了型，在吉他riff和鼓最原始的噪音下点缀下，他们肆无忌惮的卖弄者他们的小动机，喧嚣的的吉他riff，交响跃般宽广的吉他和弦，充满诡异。最后的《SOS》明显的又深情起来，并且严肃，曲子不在吵杂，而显的严肃平静。吉他像泛开的小花，鼓点满是电子的味道，直到男人才会的激情暴烈，雄起也，而尾部的吉他犹如旋风一般。

          Arctic Monkeys并不过分的强调力量，但让人觉得异常的凶猛，我说的意思是他们的音乐z中很少会有重金属吉他的力量失真，却有那种傻头呆脑的金属狂人们所不具备的小聪明。他们擅长用噪音表达情绪，用吉他的小动机，动人的打击乐器，让作品锦上添花。这让他们的音乐更加饱满。我要说的是，虽然07还没有过去一半，但Arctic Monkeys已经可以让我们痛快的奔向奥运了。

                                                   青鸟贱书

                                                            2007-05-20

昨天是老子生日，怎么没有人问候。

文/青鸟

       苏格兰，是这么个地方:风笛、格子裙、高尔夫和威士忌。苏格兰风笛享誉世界，这只要不是土鳖都知道。在经典的《My Heart Will Go On》中,苏格兰风笛的优雅点缀可谓妙笔生花，而在电影《勇敢的心》（ＢＲＡＶＥＨＥＡＲＴ）中，美国王牌配乐大师詹姆斯.霍纳（James Horner）让我们看到了苏格兰音乐的灵魂，哪就是爱与自由。当然在苏格兰除了老辈人的传授，21世纪工业文明下的苏格兰，看似传统（我是说那的爷们还保持着穿裙子的风俗）的苏格兰男人也玩摇滚乐，这多少让人觉得不可思议，而实际上，在苏格兰，有无数的摇滚从业者在玩着这种在卫道士眼中大逆不道却让人激情彭湃的音乐，他们用乐器在酿造着让爱摇人民狂饮的威士忌。

       从摇滚乐横空出世的那天起，万人体育场舞台上就开始活跃着众多苏格兰流氓们的身影，那些让人心潮澎湃的名字，比如，新潮而独立的Franz Ferdinand、被中国歌迷亲切的称作“极地双子星”音乐冷峻缥缈却又让人美丽神往Cocteau Twins，著名的老牌苏格兰后摇乐队Mogwai，前卫金属乐队IONA，还有Snow Patrol等等，这让人对苏格兰人的音乐充满了期待，我知道，这帮苏格兰流氓没有谁愿意去吃素，他们都想吃肉，

       没错，我要说的是，这次横空出世的苏格兰乐队The View依然用实力证明了他们苏格兰人从不吃素的秉性，他们的处子专辑《Hats Off To The Buskers》在上榜首周编力压前“污点”(Blur)乐队核心人物达蒙·阿尔伯恩(Damon Albarn)继“街头霸王”(Gorrilaz)之后又组建的一支乐队The Good，The Bad & The Queen的首张专辑《The Good The Bad & The Queen》，空降Top 40专辑榜榜首。这是互联网上各大网站音乐板块都有的狗屎，关于这个乐队我仅仅知道的就是这些，因为网络上几乎没有他们的任何资料，并且让人遗憾的是这张唱片国内还没有引进，然而《Hats Off To The Buskers》专辑里的歌我都有，用驴子下的，说出来还真挺没脸见人的，虽然颜面无光，但耳朵幸福死了。

       这是支很好玩儿的乐队，关键是他们玩音乐的放松心态,不象中国摇滚乐从业者那般的苦大仇深和音乐架构上的追求复杂化。他们的吼叫，或者在态度上流露的玩世不恭并没有让人觉得肤浅或沉重。他们的音乐自由、轻松,表面给人的感觉好没有经过任何的雕饰,但实质上我想他们更多的是在给人一种放松的心态去听音乐，用自己制造的音乐氛围感染别人。在他们的音乐中,有不会让耳朵觉得重复的节奏和旋律，当然更多的是唱的特好玩儿。专辑的头首曲目《Comin’ Down》显的很有朝气，很无赖。主唱的声音很野，凸现在他们面前的音乐视野很开阔，在歌曲中，他们很巧妙的将冷乱的旋律韵脚涂鸦成向外喷射激情的Riff和鼓点。听的同时,你绝对不会用朋克式的Pogo来宣泄对他们的热爱,更加的不会象金属迷式的狂甩头发，也更加的不会想到阴郁的歌特,在专辑的主打歌《Superstar Tradesman》中，你就随着他们的节奏晃动身体吧，他们的音乐就是让你保持着轻微机械晃动的动作，跟随着他们快而流畅的旋律，激情却不冷乱的鼓点。你摇头晃脑的，舒坦的，愉悦的，享受着他们的自由和奔放。

       同样，《Same Jeans》有着同样的效果，这首歌，很适合中国听众的听觉习惯，只所以这么说，是歌唱的很好玩，即使你听不懂，也能感觉到歌词中整齐的韵脚，关键还是他们的放松，就是那么随意的唱着，一副没心没肺的样子。这是一种释然的音乐，是一种在浮躁喧哗时代的孤芳自赏。但却激情四溢。而后的《Don’t tell me》依然在告诉我我们放松的玩音乐心态有多重要,吉他的和主唱的声音紧紧的粘在一起，鼓的节奏始终让人觉得厚实，沉稳。欢快的节奏对听觉一直进行着侵略，而反复循环重复的节奏段，没有任何的罗嗦感，只是依然的让人觉得意犹未尽，他们随意的释放自我，在悦耳的吉他solo、口哨、和声编制的音乐阳光中。而后的《Skag Trendy》如果不是鬼哭狼嚎，哪肯定是洋腔怪调了，中间的桥段唱的很悲伤，让人顿生怜悯之心.歌曲中间融入了一些说唱的元素，主唱的引领和和声交相辉映，当然这首歌里有整张专辑都有少的Riff演绎。这些小点缀，似乎是在不怎么勇敢的在摇滚中注入新鲜的第5元素进行尝试。

       这种尝试，后面的几首歌里都有，比如《Face For The Radio》的木吉他扫弦的铺垫让真体觉得很民谣，整首歌只要简单的吉他伴奏，简单的和声，很纯很静，是很有Indie旗帜的Folk，这也是其中一首让我觉得很严肃的歌.主唱的人声并不冒进，似乎是在谨小慎微的摸索，略带嘶哑的声音正儿八经的，有点让人不敢认了。节奏欢快的《Gran's For Tea》则是偏向一点Grunge式的处理，但并生猛，只是特情绪化，鼓将情绪推响了高潮，就由着他们玩吧，反正青春的激情没那么容易用完。《Dance Into The Night》的旋律就象专辑的封面那么凌乱，间奏的吉他solo着实不错，而在《Wasted Little DJ's》中，他们则有玩着新朋克、流行朋克式的快速节奏，将旋律做的异常好听。《Claudia》则向爵士乐投怀送抱，我的意义是说里面的一些吉他音色让人觉得很爵士，这首歌并没有爵士一般的蜗牛爬行，还是标准的摇滚的，听着歌者一般一般的呼喊Claudia，难道是恋人的名字吗？而在《Wasteland》中，他们过了一顶儿点舞曲的瘾，然后用的吉他过渡到真实的摇滚乐。《Typical Time》的口琴的吹奏很好听，自然清新。鼓的慢拍让人觉得特有电子的味道，整体的感觉会让人想到牛逼的The beatles，整首歌旋律简短干净，以致还没让人来的急回味，就嘎然而止。在《The Don》中，吉他的演绎象蜻蜓点水一般，拖出厚重的鼓点，节奏则选择从一倍用力到二倍用力的重复，凸现了感情的迸发，最后则以好听的副歌取胜，不觉间，我已经感受到了来自搔挠G点的高潮。

        听完整张唱片，得出的结论就是：The view，就是在玩儿,特没心没肺的，音乐没有一丝的沉重感。就是用一些最简单直接，也是最随意的方式，在俘虏我们的听觉，而在这个把任何事情都搞复杂的时代，在这个谁都要特例独行，哗众取宠的年代，他们的朴素，或许是让人觉得他们牛逼的真正原因。

他的长发就已经变成了现在的毛寸,他的理想,或者他的音乐早已经不能触动他的神经,命中已经注定他已经是个小人物.每天,他不知道自己到底做了些什么,即便是无聊的发呆,他也很少听音乐,很少的去审视自己,他绝对的够邋遢,不洗脸,也不刷牙,每时每刻嘴里都叼着劣质的香烟,他满嘴的口臭.他说:臭死那帮孙子.

他曾经是个愤青,在这个社会上难以生存,如果让他总结自己,他会说:他曾经自命不凡的无所不能,可到头来却发现从大学那个茅坑出来后,除了满身的骚味,并没有得到任何的”粪土”.他说的”粪土”是人民币,不是说视金钱入粪土吗?

但他需要粪土,但他不是为了粪土而活着,但你问他,你活着为了什么,他总是脸憋的通红,每当被人问他这个问题的时候,他都会不知所措.这就好像每当他去应聘的时候人问:你觉得你有什么能力来胜任这份工作?他一样的窘迫.世间的事就是这么的操蛋,而对他那个有点孤芳自赏,自命清高的混蛋来说,更加的操蛋.

这就是生活,他已经慢慢的学会承受了.据他的哥们飞爷说:这孙子他吗的现在越来越不是人了.他暗自冷笑.

日子的重复流逝,对他来说,依然是痛苦的,他不再那么的年轻了,不再那么的有激情了,他的欲望感越来越弱,他甚至都没有勃起了的欲望,因为他根本就不需要什么高潮了.他想到了从前,并不是想回忆,而是想再活一次. 他相信马提亚尔说：“回忆过去的生活，无异于再活一次”。

文/青鸟

        郁冬是位能和民谣旗手高晓松比肩的创作歌手，个人创作专辑《露天电影院》在校园民谣史上可谓经典中的经典。老狼的新专辑同名主打《北京的冬天》，就选自《露天电影院》。听过郁冬版《北京的冬天》，再听老狼，差异是明显的，但都很出色，前者配乐简单、轻柔，很纯。而后者，被重新编曲，多了些Band的感觉，老狼的嗓音依然的慵懒，声音的轻重转合拿捏的很老道。这歌让人想到的不会是情人节的玫瑰，只会是此情绵绵无绝期的身影，在开头配乐的带动下引出的一个在到处是人的街头茫然不知所措的迷茫眼光。

        这不是《恋恋风尘》，也不是《晴朗》，这是《北京的冬天》，离校园民谣的岁月有点远了，从单纯的木吉他已经走到了电音的力量，伤感美此刻已成为力量美，《情人劫》的故事虽然伤感，但配乐好似生命奔腾不息的脉搏，人声稳重、倔强。稳重给人的印象基本是刻板，套路的如一，《每一分一秒》的唱法上就属于典型过分的刻板，电声乐器似乎让老狼彻底的摆脱了民谣，但这并不是我或者任何一个老狼的歌迷所需要的，对于这个喜欢旅行后歌唱的人而言，自由的环境或许并没有给音乐插上自由的翅膀。我喜欢《那么那么地》，这首歌让我想到了以前的《美人》，相比而言，木吉他的音色再次回归，歌声中少了些“现代”的老狼，多了些“从前”的老狼，歌词写的特棒，关于男女爱的比喻让人叫绝，淡淡流畅的旋律干净透彻，不再是《模范情书》里那个“在大街上，琴弦上寂寞的成长”的孩子，是在思考两人世界的已婚男人。

         这《鸟儿的幻想》属于特强调节奏感的哪种，《想把我唱给你听》是内地才女歌手王箏的作品，听到的另一版由王箏、曹方、老狼、小柯共同演绎，当时占主导地位的是两位女唱将，两位男声则负责了副歌和合声，在《北京的冬天》专辑中，则彻底演绎成了王箏和老狼的对唱，这也是专辑中我个人感觉最出彩的歌，王箏的声音依然游走于干净纯净之间，而老狼的声音多了些男人温柔的呵护色彩，如果《青春无悔》的话题有些沉重，这次则充满了希望，第一次从老狼的声音中感觉到有磁性，挺喜。《弄错的车站》是《卡门》的调子，而《有多远走多远》中对“路”进行了逾越。歌曲《等待》基本上很摇滚，歌中唱道“等待是煎熬”，两个人相互温暖的《心中的舞蹈》，当年郑钧如是唱，“我们活着只是为了相互温暖，想尽一切办法只为逃避孤单”，现在的老狼的歌唱大意也是如此。

         专辑的封面帅呆了的造型，比起两张的封面多了些精致，但少了些质朴、纯净。从专辑的选歌上不难看出，老狼重新组合了民谣的经典，也重新组合了自己。一切源于最初的民谣形式，但却几乎看不到了民谣的影子。进一步而言，民谣主力唱将，在新专辑中最出彩的作品并不是新歌，这不免让人对校园民谣有没有未来产生了怀疑，而老狼的新唱片让怀疑加剧。